時代のプリズム：日本で生まれた美術表現 1989-2010

会期

2025年9月 3日（水） ～ 2025年12月 8日（月）

休館日：毎週火曜日
＊ただし9月23日（火・祝）は開館、9月24日（水）は休館

開館時間

10:00～18:00
毎週金・土曜日は20:00まで
※入場は閉館の30分前まで

会場

国立新美術館　企画展示室1E
〒106-8558東京都港区六本木7－22－2

主催

国立新美術館、M+、独立行政法人日本芸術文化振興会、文化庁

共催
日本経済新聞社

企画
キュレーションチーム
キュラトリアル・ディレクター：ドリアン・チョン（M+アーティスティック・ディレクター、チーフ・キュレーター）
キュレーター：イザベラ・タム（M+ビジュアル・アート部門キュレーター）、尹志慧（国立新美術館主任研究員）
コーディネーティング・キュレーター：神谷幸江（国立新美術館学芸課長）
展覧会アドバイザー：逢坂恵理子（国立新美術館長）、林寿美（インディペンデント・キュレーター）

観覧料

一般2,000円、大学生1,000円、高校生500円
※中学生以下は入場無料
※障害者手帳をご持参の方（付添の方1名を含む）は入場無料

お問合せ

050-5541-8600（ハローダイヤル）

会田誠、マシュー・バーニー、蔡國強、フランソワ・キュルレ、ダムタイプ、福田美蘭、ドミニク・ゴンザレス＝フォルステル、デイヴィッド・ハモンズ、ピエール・ユイグ、石内都、ジョーン・ジョナス、笠原恵実子、川俣正、風間サチコ、小泉明郎、イ・ブル、シャロン・ロックハート、宮島達男、森万里子、森村泰昌、村上隆、長島有里枝、中原浩大、中村政人、奈良美智、西山美なコ、大竹伸朗、大岩オスカール、小沢剛、フィリップ・パレーノ、ナウィン・ラワンチャイクン、志賀理江子、島袋道浩、下道基行、曽根裕、サイモン・スターリング、ヒト・シュタイエル、束芋、高嶺格、フィオナ・タン、照屋勇賢、リクリット・ティラヴァニャ、椿昇、フランツ・ヴェスト、西京人、山城知佳子、やなぎみわ、柳幸典、ヤノベケンジ、米田知子、ほか、および関連資料
※姓アルファベット順

表現はどこから生まれるのか ─世界と美術の交差点

本展が焦点を当てる約20年間は、グローバル化が本格的に進展した時期であり、そうした社会構造の変化を反映する新たな表現が生まれました。政治のいち早い安定を得て、経済的繁栄によって国際社会で知名度が高まる日本をプラットフォームに、人やものの移動が可能になり、美術館の開館が相次ぎ、オルタナティヴ・スペースの興隆、アーティスト・イン・レジデンスや芸術祭の活況といった同時代の美術を支える土壌が豊かになる中でどのような作品が生まれてきたかをたどります。

社会の変化にひらかれた表現 ─アーティストたちはどう向き合ったか

平成のはじまった日本、冷戦体制の終わった世界は大きく揺れ動きました。本展は、そのような転機のなかで日本のアートシーンを彩った革新的な表現に光をあてます。日本を起点に核や戦後の問題と向き合う作品、他者との関係を通じアイデンティティを問う試み、コミュニティのなかで新たな関係性を構築するプロジェクトなど、50人／組以上の国内外のアーティストによる実践を紹介します。

複数の視点から見つめる ─3つのレンズが導く鑑賞体験

「プロローグ」と「イントロダクション」に続き３つの章で構成される本展では、「戦争の記憶に向き合い読み直す視点」「ジェンダー、ナショナリティ、日本文化の再解釈」「共同体や新しい関係性の可能性を探る」といったテーマにより、鑑賞者は一つの物語ではなく、複数の視点を横断的に体験することができます。国立新美術館と香港のM+との協働キュレーションにより、ナショナリティという枠を越えた批評的な視座が提示され、日本で生まれた美術表現を多層的に読み直す貴重な機会となるでしょう。

1989年を転換点として登場した、新たな批評性と革新的なエネルギーにあふれた表現を取り上げます。アーティストたちにとってのリアルな日常や社会状況を自身の表現にとりこむべく、日常的な素材を用い、ポピュラーカルチャーを取り入れるなど、アーティストの等身大の生き方を反映する、多様で視覚的にもインパクトある作品が登場します。

第二次世界大戦終結から時間と距離を置いて、戦後生まれのアーティストたちは過去の重みを踏まえながら戦争や核のトラウマ、植民地支配の記憶といった課題に取り組み、歴史の通説を疑ってその読み直しを行いました。日本の戦後史と向き合うアーティストの表現は、終戦から80年を経た現在もなお続く、社会、文化、人々への影響を示唆します。

洗練された伝統文化と斬新で奇抜な現代の文化が混在する日本は国内だけでなく海外で活動するアーティストたちも触発しました。ジェンダーやナショナリティといった慣習や規範に挑戦するテーマをもつ作品から、再解釈された日本文化を映し出す作品まで、自他のまなざしの交換のなかで、さまざまな角度からアイデンティティを問う試みを取り上げます。

地域社会や既存のコミュニティとの関わりを模索し、新たに人々と社会とのつながりや関係性を構築していくプロジェクトの可能性に目を向けます。グローバル化のなかで、アーティストがどのように他者と共生できるのかという課題への取り組みは、様々な形でヒエラルキーをなくし、境界をのりこえる起動力を生みました。この時代を特徴づける思考を持った作品を取り上げます。

ANZAÏフォトアーカイブ

国立新美術館が所蔵する安齊重男（1939-2020）の写真資料群。安齊は写真家であると同時に、「現代美術の伴走者」を自称するアート･ドキュメンタリストとして、1970年から30年以上にわたり、日本のアートシーンを記録し続けた。本展でも、80年代に来日した海外アーティスト、国際展でデビューした日本のアーティストたちの作品に加え、パフォーマンスや制作の現場を知る手がかりとなる。

オルタナティヴ・スペース

美術館でもギャラリーでもないアートスペースを指し、主に実験的な展示や活動を試みるための場所として、欧米では1960-70年代に、日本では80年代に誕生した。小池一子が主宰した「佐賀町エキジビットスペース」（ʼ83-ʻ00）を皮切りに、ワコールが運営するスパイラル（ʼ85- ）、バーを備えたハイネケン・ヴィレッジ（ʼ88-ʻ91）、四谷の東長寺講堂P3（ʼ89-ʻ99）など東京都内のスペースにくわえ、ICA, Nagoya（ʼ86-ʻ92）、KPOキリンアートプラザ大阪（ʼ87-ʻ08）、福岡の三菱地所アルティアム（ʼ89-ʻ21）が相次いでオープンし、全国各地で新しい美術の紹介に貢献した。

アーティスト･イン･レジデンス

日本では1980年代末以降に全国各地の都市部で美術館の開館が相次ぐかたわら、90年代には地方自治体が担い手となって芸術家を招き、滞在制作を支援するレジデンス･プログラムが始動。茨城県守谷市で実験的に始まったアーカスプロジェクト（ʼ94-）や山口県の秋吉台国際芸術村（ʼ98-）が長い実績を誇る。また、各国政府が日本の文化機関として設立したヴィラ九条山（ʼ92-）やゲーテ・インスティトゥート・ヴィラ鴨川（ʼ11-）があるほか、福岡･天神の街中でアートプロジェクトを実施したミュージアム･シティ･天神（ʼ90-）やCCA北九州（ʼ97-21）など、展覧会企画と並行してプログラムを実施することも多い。

アーティスト･コレクティヴ

複数のアーティストによって結成される集団のこと。個人の表現活動を並行して行い、構成メンバーが流動的であることも多い。日本では、1950年代に瀧口修造が率いた実験工房、吉原治良を中心とした具体美術協会がその先駆けとされるが、コラボレーションの重要性を認識し、分野や国籍を超えて協働するダムタイプ（ʼ84-）、昭和40年会（ʼ94-）、西京人（ʼ07-）らは現在も活動を続け、表現の可能性の拡大を試みる。

ヴェネツィア･ビエンナーレと「アペルト」

“美術のオリンピック”とも称され、1895年から2年に一度、イタリアの水の都ヴェネツィアで開催される国際美術展。世界各国がパビリオンを持って自国の代表作家をフィーチャーすることで、現代美術の最新の動向を発信し続けている。また、1980-95年に設けられた「アペルト」部門は若手作家の登竜門となり、宮島達男と森村泰昌（ʼ88）、椿昇、中原浩大、柳幸典（ʼ93）らは、「アペルト」参加を機に国際的に活動の場を広げるようになった。

世界で開催された日本の現代美術展

経済的繁栄によって国際社会における日本の知名度が高まるなか、1980-90年代には日本の現代美術展が海外で度々行われた。その嚆矢とされる「アゲインスト・ネイチャー：80年代の日本美術」(ʼ89-ʼ91)は全米７都市を、「プライマルスピリット：今日の造形精神」（ʼ90-ʻ91）は北米４都市を巡回。他にも日本からオセアニア地域へ渡った「ゾーンズ・オブ・ラブ：日本の現代美術」（ʼ91-ʻ92）、欧州で開催された「ア・キャビネット・オブ・サインズ：日本現代美術展」（ʼ91-ʻ92）などがある。

サブカルチャーと美術

1990年代に入り、マンガやアニメをはじめとしたサブカルチャーを享受した60年代生まれのアーティストたちは、その影響を作品に取り込んで美術表現に革新をもたらした。消費社会やポピュリズムへの自己批判を含む中原浩大、奈良美智、村上隆らのこうした動向はネオ・ポップと称される。なかでも村上は伝統的な日本美術の二次元性とポップカルチャーを結びつけて「スーパーフラット」という概念を提唱し、既存のハイ･アートや欧米中心の美術史を撹乱した。

ポストコロニアル理論

植民地支配による社会政治的･文化的影響を批判的に分析し、新しい視点で歴史を読み直そうとする態度。本展では戦後80年を経た現在、日本の帝国主義や戦時中の隣国の侵略、植民地主義を現代から読み直すアーティストたちの試みを取り上げている。

フェミニズム

フェミニズムと美術の関わりは、現代美術において重要な主題のひとつである。日本においては1990年代に入って20代女性写真家が頭角を現したことによって世間の注目を集め、フェミニズムにフォーカスした展覧会が多発した。「ジェンダー：記憶の淵から」（ʼ96 ／東京都写真美術館）、「デ･ジェンダリズム：回帰する身体」（ʼ97／世田谷美術館）、「揺れる女／揺らぐイメージ：フェミニズムの誕生から現代まで」（ʼ97／栃木県立美術館）など。当時「女の子」と位置づけたジェンダーバイアスに対し、女性による抵抗の表現と読み直しは現在も続いている。

美術館の開館ラッシュ

1986-91年のバブル景気に支えられ、新たに、日本では80年代末から90年代前半にかけて全国各地で美術館の開館が相次いだ。広島市現代美術館／横浜美術館（ʼ89）、水戸芸術館現代美術センター／DIC川村記念美術館／ワタリウム美術館（ʼ90）、丸亀市猪熊弦一郎現代美術館（ʼ91）、ベネッセハウスミュージアム／愛知県美術館（ʼ92）、東京都現代美術館／東京都写真美術館／豊田市美術館（ʼ95）など。

芸術祭の活況

1980年代半ば以降、日本では、地域の活性化を図るために地方自治体が旗振り役となり、市街地や屋外空間を舞台にした「芸術祭」が各地で開催されるようになった。大地の芸術祭･越後妻有アートトリエンナーレ（ʼ00-）、横浜トリエンナーレ（ʼ01-）、瀬戸内国際芸術祭（ʼ10-）などが知られるが、コミュニティと協働する参加型の美術表現にはこうした舞台で発展したものも少なくない。

本展のタイトル「時代のプリズム」（英語タイトルPrism of the Real）は、1989年から2010年までの日本で生まれた美術表現が、外からきた光を透過し波長成分に分解する、計測器具としての分光器＝プリズムの役割を担ってきたことを意味しています。そこには、この「時代」を一面的なものとして捉えることはできないという思いが込められています。現代美術は、社会政治的な動向や情報を解釈し、取り入れるためのレンズであったと同時に、豊かな国際交流の時代において日本の文化的な伝統と実践をインスピレーションとし発信をうながすメディアでもありました。そして、日本のアーティストや海外から日本へとやってきたアーティストは、日本の文化や社会との関わりを通して世界を、現実を観察し、透徹した分析をほどこしたのです。このような意味で、本展では「プリズム」というキーワードを掲げつつ、日本の中で、そして日本を超えて生まれた表現の多様な構成要素を取り上げます。

国立新美術館との今回のコラボレーションは、私たちM+の国際性に富んだコレクションや企画において、今後日本の現代美術をより広く、より深く扱うための重要な節目となるでしょう。「時代のプリズム：日本で生まれた美術表現 1989–2010」が焦点を当てるのは、日本の文化と社会が大きな変革を迎えた、グローバル化の最初の20年です。現代アートが実り多い交流と対話の場として機能していたこの時期に対して、私たちは自信を持って新たな視点を提示します。国家という枠組みを超えた豊かな国際性の歴史を再提示するとともに、21世紀においてもより広い世界の中で対話を続けることの重要性について、考え直す機会を皆さまに提供したいと思っています。

ドリアン・チョン （M+アーティスティック・ディレクター、チーフ・キュレーター）

日常に向けた眼差しを投射する、社会政治的なメッセージを帯びたアーティストたちの実践が、日本で、日本から、力強く独自性に富んだ美術表現を生みだした時代を、振り返ります。このチャレンジを、香港・M+、東京・国立新美術館、アジアの２都市に根差す美術館の対話によって試み、複数の視点から、私たちをとりまく社会、政治、経済、テクノロジーがダイナミックに変化した、複雑な時代に立ち現れた美術表現を捉えます。

神谷幸江 （国立新美術館 学芸課長）

本展は、国立新美術館と、アジア地域のパートナー美術館である香港M+との協働キュレーションにより実現しました。

M+, Hong Kong
Photo: Kitmin Lee
Courtesy of M+, Hong Kong

M＋とは

M+はアジアの現代視覚文化(ヴィジュアルカルチャー）のグローバルミュージアムです。香港の西九龍文化地区（WestK）に位置し、20—21世紀の視覚芸術、デザイン、建築、映像、香港の視覚文化の作品の収集、展示、インタープリテーションに専念しています。ビクトリア湾のランドマークであるM+は、世界的に有名な建築事務所ヘルツォーク＆ド・ムーロンが、TFPファレルズとアラップと提携して設計しました。延床面積65,000平方メートルの館内には33のギャラリーのほか、ラーニングハブ、映像センター、リサーチセンター、屋上庭園、その他のイベントやプログラムのためのスペースがあり、M+ファサードは世界最大級サイズのLEDスクリーンで、コミッション作品を中心とした映像プログラムを香港のスカイラインに映し出しています。M+はアジア各地およびそれ以外の地域からの作品を含む学際的なパーマネント・コレクションを保存管理しており、中でもハイライトは世界最大級の規模を誇る中国現代美術を集めたM+シグ・コレクションです。M+は現代視覚文化の研究と発表の拠点として思考と好奇心を触発します。

© 国立新美術館

国立新美術館とは

国立新美術館は、あらゆる国や地域の人々がさまざまな芸術表現を体験し、学び、多様な価値観を認め合うことができるアートセンターとして活動しています。国内最大級の展示スペースを生かした多彩な展覧会の開催や、美術に関する情報や資料の収集・公開・提供、さまざまな教育普及プログラムや国際文化交流の実施に取り組んでいます。

アーティスト・トーク

2025年9月13日（土） 14:00-17:00（予定）
本展出品作家によるリレー形式のトークです。
出演（予定）：森村泰昌、風間サチコ、西京人（小沢剛、ギムホンソック）　ほか

シンポジウム

2025年11月7日（金） 15:00-17:00

会場：国立新美術館　3階講堂
参加費：無料　ただし、本展の観覧券（半券可）が必要です。
※内容や日時は変更になる場合がありますので、ご了承ください。
※このほかにも関連イベントを複数予定しています。詳しくは美術館ホームページをご覧ください。